以肢体之舞，开启舞者与观众的共生之旅

一群国内顶尖的年轻舞者，在多位国际编舞大师的悉心指导下，成功诠释了三部经典作品，实现了从精神领悟、灵感捕捉到身体解放的多重突破。9月27日，《禾戏剧·大师之夜》在国家大剧院盛大首演，台上星光熠熠，台下也是名流汇聚，足见这场当代舞蹈剧场实验备受瞩目。肢体、音效、装置、灯光、服装，甚至观众的参与等多元素有机融合，让这台演出精彩得超乎想象。

新作挖掘新韵味，原貌保留添意趣

演出之所以精彩，是因为选取的《梦不见了，但我记得》《仙人掌》《 -16》三部作品，皆是当代舞坛公认的佳作，在审美和技术上各有特色，中国观众尤其是现代舞爱好者对它们并不陌生。而且登台的舞者都备受观众喜爱，大家熟悉他们的表演风格和技术特长。众多看点齐聚一堂，观众的期待值自然拉满。现场呈现也没有让人失望，既完整保留了原作的精髓，又隐隐透出东方韵味，演员们全力投入，绽放出新的艺术火花。

演出之所以出乎意料，是因为舞者们经过长期训练，肢体语言风格、肌肉惯性和优势已深深烙印在身心之中。而这三部作品都对他们提出了新的挑战，且都有优秀的呈现版本在前。这些成就斐然的舞者，在挑战自我、解放天性的同时，还要相互适应配合、和谐共鸣。他们没有拘泥于原版，而是实现了新的艺术挖掘，特别是在可发挥的段落，给观众带来了全新的体验。

这台演出由三部风格迥异的作品组成，仿佛是在不同维度、不同轨道上探寻——我和我们身处何方？处于何种状态？未来要成为什么？舞者的表演带有角色感，形成了紧密直接的人物关系，无论是个体还是群体都是如此，赋予了表演鲜明的戏剧色彩。而三部作品之间又有新的结构逻辑和组合思路，整场表演节奏从舒缓到明朗，再到因某种际遇陷入困境，最后走向希望与释然。观众被引领着经历一场未知的心理旅程，视角不断被重置、被意外、被幽默、被牵引、被撼动，从置身事外到置身其中。当代剧场的意趣与舞蹈艺术原始的质朴相互交融，实现了舞台上下的大融合。

镜像制造幻景，技巧之上升华

表面上看，第一部作品《梦不见了，但我记得》对技术技巧的要求极高，难度近乎体操和舞蹈的双重极限挑战。但对于几位演员的能力来说，驾驭肢体动作并非难事，更重要、更难的是在完成高难度动作的基础上实现升华，让技术技巧的痕迹隐藏在背后。

在舞台景片和地面三个平面合围的空间里，舞者在一个平面上进行反常规的高难度动作，通过即时摄影投射到其他平面上。编导利用视角的转换，让人和空间、物件的关系发生了奇妙变化。镜像效果让这些高难动作看起来如同日常的行走坐卧，或者呈现出一种类似失重的太空幻视感。舞者的身体从服从重力到克服重力再到反重力，以被动或主动的方式，制造了一场三维空间里的错觉游戏。

摄影这一客观手段，通过变换视角的镜像呈现，对我们的主观认知提出了质疑。我们肉眼看到的世界和镜像投射后的影像，生动地展现了存在主义哲学的质疑——我们看到的世界和真实的世界并不一致，我们所认为的“真实”未必真实。那么，人与人之间的关系和情感又如何呢？舞者之间轮回般的分分合合，触动着我们的人生感知。

这一精妙的设计，要求演员不动声色，但并非不倾注情感，相反要带着受困于方寸之间的存在境况与隐喻意味。同时，不能刻意表现技巧和凸显手段，要让一切看起来自然，包括攀援时的节奏和动感，否则作品的意义将大打折扣。高超的控制能力是核心要素，演员们的现场表演无疑十分出色。

率性与顺从，仙人掌的隐喻表达

第二部作品《仙人掌》的标题，让观众对其有了形象的预设。在古典四重奏的规范与自由原始的驱动下，舞者的肢体表达呈现出平衡与破局的相互呼应。他们各自站在有些反光的小方台上，精神并未被方寸之地束缚，强烈的击打和有趣的呼吸节奏释放出天真率性。这让我联想到突尼斯蔚蓝地中海沙滩上的仙人掌林，野生的生命扎根于贫瘠砂砾中，虽不能像海鸥和鱼儿那样自由，但依然肆意生长，芒刺丝毫不输红花绿叶，仿佛在蔑视万物——我就是我，谁也不能把我怎样。

脚下的方台被搬起、摆弄，失衡随之出现，反射出的光究竟是波光粼粼的外部世界，是滋养还是现代城市幕墙的光污染？我们不得而知，但舞者确实逐渐陷入其中。随着四重奏乐队的移动，舞者两两相对的矛盾状态逐渐走向和谐统一。

当舞者退场后又手捧花盆再次登场，精心培育的造型各异的仙人掌虽美，却失去了自由。特别是在灯架的移动中，空间被压缩，闪着“Cacti（仙人掌）”单词的灯组强光闪烁，气氛变得怪异，舞者被指导、被干扰、被侵袭，这正是我们熟悉的日常——寻不回的梦和不得不为的追逐与从属。

古典音乐在这里具有象征意义，对肢体有着终极的控制。舞者的自由在乐声中逐渐被规范，但在被限定的状态下，他们也试图做出改变。当四重奏再次响起，他们转身创造出全新的表演形式，在两位舞者表现出暧昧与不确定的关系后，所有人集体面向观众，制造出步步逼近的感觉，对当代文明提出了质疑。

共舞实现共生，观众与舞者相互想象

第二次幕间休息时的一段即兴表演很有深意。这里的即兴并非个人技术能力的展示，也没有放纵的情感宣泄，舞者仿佛在自我陶醉，沉浸在小我、小感觉中，并且与上一部分作品中的角色产生了某种关联，起到了回味和延伸的作用，是三部作品之外的神来之笔。

此时，第三部作品《 -16》的演员陆续入场，打破了即兴表演的自得氛围。这种打破让意趣得到升华，也为后续表演埋下了伏笔——个体的无拘无束走向了集体范式，“无”瞬间变成了新的“有”。

舞者围坐在一起，呈现出祈祷与奋力挣脱的姿态，仪式感和重复的形式极具震撼力。但下台口最边缘的舞者总是脱离群舞节奏，不断向前扑，渴望融入群体却又无法自控地偏离轨道，制造出的冷幽默效果让人啼笑皆非又陷入思考。

演出的高潮，也是最令人意想不到的环节，是舞者来到观众席中随机挑选搭档，然后一起回到台上共舞。特别动人的是，演员与观众舞者之间有意识或无意识的身体碰撞产生了化学反应，双方主动与被动的位置随时转换。这一安排将剧场演出的“在场”意义发挥到了极致：我们“都在”一个空间里，或观看或表演，这一概念升级为我们“同在”情境中共生——演员与观众互为观演对象，进入彼此的设定和想象。观众通过身体、语言和精神的参与，将舞台的假定变为现实，深度参与剧场艺术带来了独特的感受，最终形成了难以忘怀的记忆。

我想，这或许就是《禾戏剧·大师之夜》所追求的理想境界：瞬间模糊了“大师”的世俗概念，舞台上迸发的新鲜火花，就像我们永远无法第二次踏入的河流，深刻而又浅显地揭示了剧场的“不可复制”。我们平日里看不到的舞者与观众的本性，在这一刻被超越般地激发出来，舞台成了逃离现实的地方——抛开身份的面具，世界原来可以如此美好！

感慨之余，将这些勇于挑战经典的中国年轻舞者与世界顶级现代舞艺术家相比，部分舞者的身体能力和天性释放的能量还有所欠缺，有的则另辟蹊径寻找风格，这与他们擅长的舞种特性、从小接受的舞蹈培养以及东方美学的长期熏陶有关。但无论如何，这三部作品的呈现已经非常出色，在勇气之上的艺术突破显而易见。而且，这种不同是否也可以被视为另一种风格化、个性化，而无需改变呢？先不急于下结论，且行且观察。

文/程辉 摄影/付晓

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