好剧难唱？音乐剧改编的困境和可能性

在原剧IP的光环下，音乐剧《唐代诡事录曼陀罗》试图寻找更适合舞蹈&的故事创作。

“剧集IP 音乐剧的公式不是神丹妙药。从舞蹈&艺术本身的特点来看，音乐剧并不是因为一切。然而，这种先天的结构问题在音乐剧中更加突出，因为音乐剧是以更多的篇幅和更多的人物为基础的。影视艺术的表达方式与舞蹈&艺术完全不同。在一些剧中，很难恢复音乐剧和舞蹈。

自2018年底综艺节目《声入人心》音乐剧以来，音乐剧在中国的发展掀起了新的篇章，这是一部绝对小的舞蹈&艺术推向更广阔的观众群体。从国外经典剧的中文版到原创内容的多元化尝试，我国音乐剧在创作的道路上没有探索。在这股浪潮中，改变音乐剧已经成为一条引人注目的道路。

这种模式背后有一个非常明显的吸引力规则:改剧的音乐剧通常有成熟的故事文本、稳定的观众群体和现成的品牌口碑，具有与生俱来的话题性和市场性。但纵观近年来这类作品的整体表现，不难看出“电视剧IP” “音乐剧”的公式并非神丹妙药。这些衍生作品的反应大多不如原来的预期，从观众反馈、行业评价到票房成绩。

归根结底，还是要把IP和音乐剧的位置放在一起。这两种艺术在故事讲述、视听呈现、演员表演等方面有很大的差异。把影视内容“移动”到舞蹈和音乐剧中并不容易。

故事难圆：由繁化简和情节流失

从舞蹈&艺术本身的特点来看，音乐剧本并不是因为它们。即使是法国音乐剧《巴黎圣母院》《罗密欧与朱丽叶》在中国巡演期间反响热烈的外国经典，也常常依靠显著的舞美设计、动人的音乐旋律和演员的实唱来吸引观众，而《巴黎圣母院》《罗密欧与朱丽叶》则不是音乐剧。在音乐剧中，经典故事的出现更多的是作为一个结构框架，其叙事内容通常被压缩、精炼或转化为演唱，以满足舞蹈&的需要。

音乐剧以更长的篇幅和更多的角色为基础，这种先天的结构问题更加突出。剧集往往以十几集甚至十几集的篇幅展现情感，刻画人物，而舞蹈&剧则需要两个小时左右完成情绪调动和高潮推广，节奏和容量差异巨大。所以大部分改剧的音乐剧都要采取复杂的方式，把整个剧情压缩成高度浓缩的缩略本。

当然，也有尝试在原剧IP的光环下，另起炉灶叙述完整全新的故事，比如《灵魂摆渡之永生》《唐代诡事录之曼陀罗》，试图找到更适合舞蹈&的故事创作。但是，并不是所有的剧集都合并了《番外》的故事。大多数观众慕名进入剧院仍然是为了原剧本身的故事，而音乐剧高度提升了原剧的情感，常常落得不好。稍微熟悉一下剧集的人都很熟悉。人物的成长脉络和情感层次在压缩中变得平淡，很难再现原著的细致和饱满。另一方面，对于第一次看到这个故事的观众来说，由于浓缩剧情缺乏必要的背景和铺垫，在剧情的衔接中很容易感到仓促和分离，陷入无法理解的迷茫。

即使可以接受缩写的情节，不同的观众对集中的期望也有不同的侧重点。改编者还必须努力平衡熟悉文本的观众和第一次接触的观众。他们不仅要回应熟悉的人的期望，还要照顾初来者的认知。这种双重负担往往会让剧集改变音乐剧本的窘境，“想讨好所有人，却很难打动任何人”。

旋律难优：商业逻辑下的音乐困境

考察我国音乐剧的发展背景，无法避免更深层次的现实背景——音乐行业本身面临着创作环境的多重压力，传统音乐行业在新的媒体生态中面临着新的问题和挑战。

典型的例子是短视频&&对于音乐的滥用消费，十几秒几十秒的旋律切片，不断循环的洗脑片段，都在重塑大众对音乐的感知。这种不完整、不完整的传播逻辑，逐渐吞噬了音乐创作原有的表达能力和情感深度，使得音乐越来越被视为背景音效和节奏道具，而不是完整的审美感受。

再比如粉丝经济和“投资文化”的席卷，无形中改写了音乐行业的价值标准。当销量被流量驱动，排名被列入榜单时，音乐逐渐脱离大众传播的真实语境，成为粉丝圈内的封闭消费。这种高度分层的行业逻辑，让很多音乐创作与更广泛的社会情感和公共审美无关，即使流量惊人，声道占据。

因此，在音乐整体生态尚未改善，原创环境不乐观的前提下，音乐剧作为一种高度依赖音乐内容的风格，自然很难摆脱大环境的现实约束。更实际的是，音乐剧本身的体积，决定了它很难吸引足够的高水平创作者深度参与。在今天的国内文化行业，音乐剧仍然是一个小市场，制作周期长，观看人数和票房收入有限。这些音乐剧在作者眼里已经成为高性别的比赛。音乐人注重一部音乐剧所需的时间和精力，这通常与实际的经济回报不平等。因此，他们制定了大量音乐剧作品，只能在有限的资源和人才中寻求妥协。

所以我看到很多改剧的音乐剧在音乐方面缺乏善良——旋律一般，歌词直白，甚至用力过猛，情绪空洞，缺乏真正打动人心的光芒。这不仅是创作者水平和能力的问题，也是一个尚未建立的行业创作生态的深层困境。

人物难塑：形似神离的表演落差

如果说音乐剧的音乐在某种意义上受制于音乐剧的尴尬局面，那么音乐剧的表演在很多时候都堪比影视剧的表演。我们国家的音乐剧大多以基本功为基础。虽然他们的舞蹈和演唱技巧是真实的，但在戏剧表演的层次和细节上，他们通常与那些创造了戏剧的电影表演相提并论。这样的演技差距，在剧集改变了音乐剧之后，绝对比中更直接。甚至还有一些音乐剧演员在表演上的差距，所以他们采用了在舞蹈&上复制原剧演员的表演方式，或者模仿表情，或者复制语气，但往往会流于方式之中，很难触及人物的深层心理和情感。对熟悉原剧的观众来说，这无疑是一种似是而非的不满。

更难的是，影视艺术的表达方式与舞蹈&艺术有很大的不同。在一些剧中，很难在音乐剧和舞蹈中恢复它们。

比如《白夜追凶》中一个人扮演双胞胎的复杂演绎，在镜头和剪辑的帮助下创造了经典。然而，在改变音乐剧后，原来的一个人只能扮演两个角色的演员，这影响了观点。再比如《隐秘的角落》中稚气未脱却压抑冷静的少年气质，取决于精准选人演技高超的小演员。在舞蹈&戏剧的演员储备方面，未成年演员的数量大大不足。再加上舞蹈&艺术一气呵成的要求极高，所以这部剧的未成年演员变成了舞蹈&表演效果的极大不确定性。

正是因为很多角色在影视方面难以复制，很多音乐剧在人物塑造上先天不足，极大地影响了最后的成品质感。

该剧改为音乐剧。虽然我国音乐剧市场提供了一个完善的新思路，但也为舞蹈&表演找到了一批自带流量和观众基础的文本资源。但是对观众来说，这种改编所激发的观看冲动，更多的是因为对原著的持续情绪或者口碑好奇。换句话说，观众进入剧院，不仅是为了追求被感动的情节记忆，也是为了期待在熟悉或理解的人物和故事中感受到旧瓶装新酒的新奇感受。

所以，真正能得到共同作用的戏剧，需要在和谐与不同中找到出路:一方面，在缩略叙事主干的基础上，尊重原剧，不违背其情感逻辑和人物弧线；另一方面，它可以巧妙地增强旋律的情感，舞蹈&视听美学和表演。在这些综合语法中，它构建了剧院的独特魅力，让观众在熟悉的情节中。感觉到一种全新的感觉。

（杨慧 作者是首都师范大学文学院文化系副教授)

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