艺术人物一周｜葛姆雷呈现栖息地，俞中保展“云山茫茫”

本报获悉，北京798艺术区常青画廊近日将推出英国著名雕塑家安东尼·葛姆雷（Antony Gormley）第三场展览“栖息地”。当代著名油画家俞中保在南京举办了“云山茫茫”展览，金陵美术馆开幕。

在上海，法国艺术家法布里斯·伊贝尔专门为上海地铁陆家嘴站创作了一组纪念中法文化交流和长久友谊的艺术作品。在上海玻璃博物馆开幕的澳大利亚艺术家凯特·贝克展览《曲径幽知》，这是贝克在中国的第一次展览。在上海当代艺术博物馆举办的中国女艺术家尹秀珍大型个展“刺天”，展出了艺术家尹秀珍的标志性作品和最新思考。艺术家谢墨凛在上海复星艺术中心举办了一个展览“机器下的画板”。作品展示了艺术家在创作中与机器长期对话形成的绘画，以及探索人与机器的关系。

北京｜安东尼·葛姆雷

常青画廊展览“栖息地”亮相。

11月14日，位于北京798艺术区的常青画廊将推出安东尼·葛姆雷，继“另一个奇怪”(2009)和“屯蒙”(2016)之后。（Antony Gormley）第三场展览“栖息地”。展览包括葛姆雷近年来创作的许多重要雕塑和艺术作品——艺术家通过使用粘土和铸铁这两种常见的材料来提问，并希望提供“在目前的情况下重新思考和感受身体”的诊断工具。

安东尼·葛姆雷

展览的核心作品《休息的地方II》呈现出迷宫般的纵横交错领域，邀请观众进入其中，自行寻找路径。这个由132个真人雕塑组成的领域，都是用烧粘土砖砌成的，讨论了休息状态下身体作为人类主要住所的出现。在艺术家眼里，砖块是中国文化的重要象征，可以理解为一种“物理像素模式”。

在作品中，这些相互垂直摇摇欲坠的砖块堆砌了各种不同的人体形态，有的四肢伸展，悠闲自在，有的像胚胎一样蜷缩自保。从画廊二楼和三楼的阳台往下看，穿梭的观众与水平展示的粘土身体相互作用，创造出一个动态的领域，从而产生各种因人而异的主观感受。除了“休息的地方I” I 》外， 本次还将展出《环线》、《联盟》等一系列铸铁雕塑作品，探讨城市基础设施(包括路面、电路、地下管道等)与人类关系的共同点。).

展出作品

自20世纪80年代以来，英国著名雕塑家安东尼·葛姆雷以其雕塑、设备和公共艺术作品而闻名于世，并继续检查身体和空间的关系，直接面对自然和宇宙中人类存在的基本问题。葛姆雷在不断的尝试中，也使艺术空间成为一个能够呈现新行为、思想和情感的地方。正如艺术家自己所说:“休息场所II讨论了身体与地球(即地球表面)的关系，并指向两种完全不同的放弃:第一，人们在放松的状态下放弃了身体控制——在沙滩上，我们完全放松，回到童真的游戏中；第二，搬家者被迫或独立选择放弃家乡，找到新的花园。乍一看，整部作品似乎是一堆散落的建筑材料；慢慢地，它们变成了一个城市的模型，从而邀请观众想象作为一个内部住宅的身体——这些身体有些让人感到放松和自给自足，有些则表现出退却和防御的态度。”

这个展览将持续到2025年4月14日。(文/王)

南京｜俞中保，艺术家

金陵美术馆开幕的展览“云山茫茫”

俞中保是一位著名的现代油画家。他善于以中国山水为主体，用油画材料创作，尤其是中国画大写意山水中的美学核心“魅力生动”，对她影响很大。近日，南京书画院 金陵美术馆主办的“云山茫茫-俞中保艺术展”在金陵美术馆开幕。

俞中保，艺术家

俞中保，1962年出生于上海，从小就热爱绘画，尤其是1977年的“19世纪法国农村风景画”展览，对当时只有15岁的他产生了巨大的视觉震撼和深远的艺术影响。1986年，俞中保被华东师范大学艺术系本科油画专业录取。这时，85时尚艺术在全国范围内发生了变化，他也在时代潮流中系统地接触到了西方当代艺术的发展。

本次展览的学术主持人、中央美术学院副教授红梅发表文章称，在当代社会的背景下，俞中保的作品不仅为中国传统绘画境界提供了独特的代表性探索，而且在一定程度上可以看作是对工业文明过度分裂社会结构后，人们普遍渴望回归一定整体美学的有效回应。因此，俞中保将自己的艺术实践融入了时代的洪流。江苏省文联副主席、江苏省美术家协会副主席徐惠泉表示:“这个展览给了我很多视觉冲击，它准确地解释了油画在中国应该如何表现。俞中保对西方油画有着深刻的研究，对印象派绘画有着独特的理解。再加上长时间的实践，就形成了他这种风格。”

展览现场

上海美术家协会副主席、上海海派美术馆馆长李磊表示:“我认为中国保险公司的艺术基本上是在实践中国油画的时代性、民族性和走向世界性的道路。在这个过程中，他一步一步走得相当坚实，他的作品充满了人类的温暖和阳光。”

南京书画院院长、金陵美术馆馆长刘春杰说:“中国保险公司的油画特点是用冷色甚至脏色营造环境或氛围，但他会在意想不到的时候来一束光。光很重要，心中有光，画中有光，让我们感受到他艺术的温暖。我想代表南京书画院 谢谢俞中保，金陵美术馆，南京市美术家协会，把这么好的作品送到南京展览。

俞中保说：“我在创作中尽量运用韵的表达，使之更具气势，拓展自己艺术创作的新领域。

展览将持续到12月8日。

上海｜法国艺术家法布里斯·伊贝尔

专门为上海地铁陆家嘴站创作壁画

在法国文化中心和法国驻上海总领事馆的大力支持下，中法建交60周年，上海当代艺术博物馆和上海地铁与卡地亚当代艺术基金会联合邀请法国著名艺术家法布里斯·伊贝尔（Fabrice Hyber）为了纪念中法两国之间的文化交流和长期友谊，上海地铁陆家嘴站专门创作了一组艺术作品。11月8日，陆家嘴站正式揭幕了两件艺术作品，并成为PSA的永久收藏。

2024年，法布里斯·伊贝尔在上海陆家嘴地铁站。

这两幅极具纪念意义的壁画分别被称为“城市森林”（La forêt）和《友谊》（L'amitié），它们都是由中国陶瓷之都景德镇法布里斯创造的。艺术家与景德镇的工匠在创作过程中进行了深入的交流，他们掌握了瓷器和山水画的精湛技艺，也有着悠久的历史传承。通过这个创作项目，法布里斯在了解了瓷器创作之后，开发了一种新的瓷器绘画和釉料技术。

《城市森林》是法布里斯·伊贝尔的作品、2024年上海陆家嘴地铁站“友谊”

法布里斯认为：“无论是走在法国旺代的森林里，还是走过上海地铁的地下隧道，我都能感受到一种奇妙的交流。两者都是我们建造的风景。在观察风景的过程中，我们每一个人都在建立自己的风景，并获得惊奇的感觉。不同的想法在我心中逐渐涌现，应该怎样把植物的生命力带到城市？复杂的树根和复杂的城市网络也有一些相似之处吗？”

这个项目也是“上海艺术周”，法国在 ！“活动的一部分。恰逢中法建交60周年和中法文化旅游年，该活动的城市行走路线由法国驻华大使馆与法国对外文化教育局合作组织。2025年春天，PSA将与卡地亚当代艺术基金会共同呈现法布里斯·伊贝尔的大型展览。(文字/黄松)

上海｜尹秀珍是艺术家

上海当代艺术博物馆举办的展览“刺天”

十一月八日，中国重要女艺术家尹秀珍在上海当代艺术博物馆大规模展出“刺天”（PSA）由艺术史学家巫鸿策划的PSA“中国现代艺术收藏系列”展览的最新章节是一楼空间。借助20多件不同材质和词汇的优秀作品，展览不仅展示了艺术家尹秀珍的标志性作品和最新思考，还带领观众进行了一次向外、向内、细腻的探索之旅。

在展览开幕现场，尹秀珍在展览开幕现场

尹秀珍，1963年出生于北京。她的现代艺术实践始于20世纪90年代初。她的作品具有实验性和多样性。她把不同人的经历、记忆和时代印记作为创作的要素之一，反思和实验了大量不同形式的材料艺术创作。

展览以大厅里同名设备“刺天”拉开帷幕，该装置由三部作品组成：飞机、刺天、补天。《飞机》是第七届上海双年展《快城快客》的作品。与之相连的《刺天》突破了现实的维度，用15米长的金属针直接刺穿了天空，成为人类探索外太空欲望的具体形象。相比之下，在作品《补天》中，艺术家将前期邀请公众参与捐赠的数千件“天空色”旧衣服缝合在一起，通过神话故事“女娲补天”的形象来修复被刺破的天空。

2024年上海当代艺术博物馆“尹秀珍：刺天”展览现场，

在尹秀珍的创作中，个人经历和集体记忆是一个重要元素，她把自己的创作方式描述为“搜尽经验打草稿”。在展览策划期间，艺术家们继续在2018年的作品《思考》中挑选了100双有故事的鞋子，除了在大厅里展出的《补天》。每一双鞋子都与一条织物长“腿”相连，汇聚成集体潜意识的暗潮。观众可以在个人叙述中自由行走，并且思考。邀请观众共同创作的另一部作品《上海PSA1080口气》延续了去年与上海玻璃博物馆合作的艺术家作品。艺术家邀请参与者留下自己的呼吸和衣服，形成不同的玻璃容器。展览的另一个线索是艺术家反思思想、材料和感知联系。这个线索涵盖了《眼影壁》、《未知》、《金喇叭》等作品。

展览策展人巫鸿认为:“展览涵盖了从‘宇宙’到‘浮尘’的持续水平。以现代艺术为媒介，触摸这个从大到小的广阔场所的关键在于人的存在。” 展览将持续到2025年2月16日。(文字/黄松)

上海｜凯特·贝克，艺术家

新的环境由玻璃和投影创造

11月6日，澳大利亚艺术家凯特·贝克在上海玻璃博物馆举办了一场“曲径幽知”展览。这次展览是贝克在中国的第一次展览，也是她三件身临其境的装置作品的全球首次亮相。展览通过庞大的作品，探讨了个人和集体面对复杂和不可控现实时的情感冲突和隐藏力量。

凯特·贝克

澳大利亚艺术家凯特·贝克的工作室研究和实践将拍摄、印刷和动态图像技术与玻璃技术相结合。她的研究探索了数字图像如何通过玻璃物质转化为一种新的激活对象和环境的方式。

凯特·贝克在展览中呈现了三个大型艺术设备，通过沉浸式视频、声音和玻璃的结合，探索已知和未知之间的互动。每一件作品都以独特的视角融入到广阔的叙事框架中，揭示了人性中无法控制的复杂力量，引导观众反思超出理解范围的毁灭性现实。

凯特·贝克的《小鱼》(局部) 锻造玻璃，图像，声音

贝克以玻璃为媒介，展现了“影像-光”这一概念的微妙之处。法国电影理论家多米尼克·佩尼提出了“图像-光”的理论，强调数字图像可以脱离物质表面，仿佛它们是由光组成的。只有当光源被物质捕捉时，图像才能出现。通过玻璃与投影图像的互动，贝克创造了一个“活跃的环境”。在这种环境下，玻璃的光传递和空间塑造能力使动态图像随着时间的推移给观众带来了独特而有层次感的感觉。展览将于2025年4月27日举行。(整理/陆林汉)

上海｜谢墨凛，艺术家

机器下面的画板

11月6日，艺术家谢墨凛在上海复星艺术中心举办了一个展览“机器下的画板”，展示了艺术家在过去十年里创作的近50件作品。这些作品展示了艺术家在创作过程中与机器的长期对话形成的绘画，以及他们探索人与机器的关系。这个展览也是复星艺术中心成立八周年的重要展览项目。

谢墨凛

谢墨凛出生在温州，在卖钢机的环境中长大。这种与机器的亲密关系已经成为谢墨凛艺术创作的重要起点，也为他未来的艺术创作奠定了基础。他希望通过机器延伸手的功能，探索手工极限以外的绘画方法。

展览现场

凭借机器的力量，谢墨凛早期的作品展现了叙事场景。一幅机器艺术作品在创作过程中，通常要经过计算机上几个星期的准备才能开始工作，而实际的绘制过程则充满了各种随机性。《会议室》(2007)和《废墟-教室》(2006)等早期作品展示了他对具体表达的探索，从具体的角度展示了他的社会观察和思考。这个阶段的作品充满了机械冷酷和理性，他对机器的使用源于对绘画形式更加精确的追求。随著创作的深入，谢墨凛开始转向颜料本身，探索其物质性和感染力。参观莫高窟后，他开始思考如何通过现代技术重新诠释敦煌的绘画精神。《棘·敦煌13.2》等敦煌系列作品.3(2013)通过锯齿状刮刀营造出一种拥挤的颜色，在颜色呼应敦煌壁画的同时，在形式上营造出类似壁龛的抽象意境，展现了传统与现代的对话。近年来，谢墨凛的创作更注重形式与感知的关系，如敏感捕捉灯源的亮度、色温和直射角度距离，加强绘画的动态和层次。

用机器创作的谢墨凛艺术作品

谢墨凛的创作实践是人与机器之间不断的对话，也反映了当今后制造业时代人与机器之间不断演变的关系:机器不仅是艺术家身体的延伸，也是不可控制的限制。展览将持续到12月8日。(组织/陆林汉)

上海｜艺术家李爽

展览“月球距离”荣宅举办

十一月六日，上海PRADA荣宅举办“月球之间的距离”展览，展览源于艺术家在中国独生子女政策历史阶段的成长经历，深入探讨当今高度媒介化现实中的沟通困境，以及复杂的母子关系。通过多维叙述，展览以艺术家在生活交流中面临的难题开始，展示了母子关系的复杂性。展览会的核心是一封写给李爽妈妈的信，已经丢失了，信转换成了特定场地的灯光和声音展示设备。

李爽 Photo by Mathilde Agius

李爽1990年出生于中国武夷山，2014年获得纽约大学媒体研究硕士学位。他目前生活和在德国柏林和瑞士日内瓦工作。他的作品包括各种艺术语言，包括表演、互动网站、雕塑、动态图像和多媒体设备。他特别注重各种技术与人类及其相互作用，揭示了全球通信系统中的技术如何控制我们的身体和欲望。

展览现场“月球之间的距离”

在建筑与装饰维度上，Prada荣宅的家居与历史空间开启了中西传统之间的对话，展示展示展示之间的对话。 一系列新作，包括照明和声音设备，现成的树脂设备，以及疫情期间制作的视频图像。其中一个全新的设备叫做“带一盒徒劳”(2024 2008年)，它的形状与大型风铃和水晶灯相结合。光线在其中闪烁，将信件文本转换成电报代码，就像John一样。 Durham Peters开创性传播学作品的标题所说，似乎在表达“沟通的无奈”。

展览现场“月球之间的距离”

另一个名为“月球之间的距离”的吊灯设备解释了李爽和他妈妈在疫情期间的微信对话。在光线的形式下，语言及其承载的意义似乎总是消退，只有信号被保留下来。展览将持续到2025年1月12日。(整理/黄松)

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