看看传统与现代的交汇，听听过去与未来的对话。
第十一届乌镇戏剧节在上周末以“如磐”为主题结束。乌镇戏剧节今年开启了第二个十年，就像过去十年所做的那样，然后以专业、开放、多样、适应的态度，立足中国，放眼全球。特邀曲目、青年比赛、城镇对话、古城嘉年华、戏剧市场、新设的梦想粮库等模块，让传统与现代在水乡古镇相遇，让一方水土成为中外创作者、观众、游客共同梦想的文艺园；同时进一步促进中国戏剧与国际戏剧的深度交流，不断为中国戏剧培养年轻人才，为文化旅游产业结合提供有效样本。
戏剧大师
解决严肃内容的独特方法
到目前为止，乌镇戏剧节已经迎来了多代戏剧大师和著名导演，包括提奥多罗斯·特佐普罗斯、罗伯特·威尔逊、铃木忠志、尤金尼奥·巴尔巴、菲利普·让缇、已故的彼得·布鲁克、里马斯·图米纳斯等。其经典或全新创作的作品都来到了水汽密集、船只摇曳、桂花芬芳、烟火燃烧的乌镇。观众表现出他超越时代的特殊表现。
今年，许多国际戏剧都带着他们的作品来到了乌镇。第一次到达的是波兰导演克日什托夫·瓦里科夫斯基、法国戏剧作家、导演瓦日迪·穆瓦德、奥地利导演和演员尼古拉斯·哈比扬等。日本SCOT(利贺)的创始人铃木忠志、丹丁丁的创始人尤金尼奥·巴尔巴和行者姆斯·理查兹。
他们的作品大多以独特、时尚、有趣的方式解决了古代、严肃、沉重的内容，无论是通过改编的方式撞击经典文本，还是通过原创的方式对话当前的话题。观众和他们有情感联系。
由华沙新剧院制作的开幕剧《我们走吧》，导演瓦里科夫斯基的蒂安·陆帕和彼得·布鲁克的大师。在香港的《莎士比亚-非洲故事》和林兆华戏剧邀请展的《阿波隆尼亚》的帮助下，中国观众了解了他用演员大胆直接的身体词汇、奇怪美丽的视觉元素、堪比摇滚场景的氛围塑造和观察现实的激情主张等搭建的舞台风光。
在此之前，《我们走吧》与中国观众的瓦里科夫斯基作品一致。该剧改编自剧作家汉诺赫·列文的黑色幽默剧《旅行者》，在一个社区的五个家庭中安排上演了八场葬礼。导演以工业质感的狭长暗室为物理空间承载，结合波兰乃至世界的时代环境和风向，将时间延伸到过去、现在和未来，描述了生与死、离与留、流浪与归属、他人与自我等具有辨证甚至谬论色彩的话题，探讨了人类永恒的精神状态:也许每个人都梦想逃离平淡无聊的日常生活，但他们通常从未开始前进。
其它几部来自经典文本的海外作品也各有特色。铃木忠志的《酒神》改编自古希腊不幸大师欧里庇得斯的剧。几年前，国家大剧院和北京古北水镇长城剧场上演了《酒神·狄俄尼索斯》。经过“铃木训练法”锻造的演员，用具有仪式感和庄重感的身体词汇诠释了古希腊的不幸，给观众带来了巨大的心理震撼。这出戏这次出现在乌镇，观众再一次略到了铃木忠志的名句“文化就是身体”所蕴含的能量。
《舞者的一天》由意大利吉蒂塞艺术剧团和丹麦欧丁剧团联合制作，尤金尼奥·巴尔巴、洛伦佐·格莱杰斯和朱丽亚·瓦蕾联合编剧和导演。该剧以名著《变形记》为原型，加入了卡夫卡的个人经历、他和爸爸的关系等。，描述了格里高尔在《变形记》中的同名舞者在首演前夕的自我监禁和焦虑。舞者的动作时而温柔时而激烈，沾染着逼迫和机械的色彩，辅以对肢体词汇的清晰声音和词汇。在某种程度上，人们想到了美国导演翰·卡萨韦蒂斯的著名电影《首演之夜》。
在海外团队带来的原创作品中，由柏林德意志剧院制作、偶剧大师尼古拉斯·哈比扬导演和表演的《卡尔·博姆》获得了许多好评，受到了前半段最大的观众的好评。
以卡尔·博姆的生活经历为切口，反思艺术与战争、政治与人性的关系。虽然卡尔·博姆愿意让自己非凡的艺术天赋成为服务纳粹的工具，而不是《意志的胜利》、《奥林匹亚》等电影的导演，卡尔·里芬施塔尔，但卡尔的名气与他在粹治期间的人有关。
虽然《卡尔·博姆》是一部独角戏，但哈比扬坚持“娃娃可以在舞蹈&上做任何事情”的理念。一个人操纵十几个不同身材的娃娃，扮演多个角色，用灵动的手势和不同的声音赋予&许多角色鲜明不同的性格和行动，让这部作品成为一部精彩的群戏。
中国表达
时空变革突破叙事束缚
今年，特邀曲目元出现了许多中国国家作家的作品，分别来自著名导演川、孟京辉、中生代李建军、王军、新生代肖竞、何齐等。
中国创作者致敬经典的改编佳作，同样力求在形式上进行创新，并在内容上与中国当前的社会语境有一定的融合。新排练的《等待戈多》是乌镇戏剧节发起者、孟京辉的新版本。观众进入时需要跳舞&走向观众平台，或者在布景板和地板上随意涂鸦——在表演正式开始之前，他们体会到了塞缪尔·贝克特戏剧中的荒谬。由何齐执导的《夏日声音:海鸥》由“睡不好的工作室”制作，将契邈夫《海鸥》中的故事嫁接到2023年的中国，讲述了几个20出头的女孩的迷茫和焦虑，勾连了当代年轻人的心情。
在原创作品中，乌镇戏剧节的创始人、常任主任赖声川导演的《江/云/间》和由乐意剧团制作的《逆转未来》，以及由乐意剧团制作的《高原编剧》和《岩石导演》，表现最为耀眼。
《江/云/间》是赖声川70岁创作生涯的第40部作品。剧名中的“江”和“云”指向赖声川的经典作品《暗恋桃花源》中的江柳和云之凡，故事也还原了两人相遇又遗憾错过的一些情节。表面上看，这部剧似乎是赖声川对杰作的自我致敬，但他的回溯叙述并不包含任何自我感动的成分，而是倾注了对过去时代的深情——他知道随着岁月的流逝，他的收信地址早已未知，他仍然向旧时光发送情书。
这部剧采用了套层的叙事结构:剧院新一代工作者在排练《暗恋》时，无法理解江的柳树和云之间如此深情的根源，所以排练僵持不下。2008年的导演和演员走出了写作的困境。根据《暗恋》的结局，展览想象了故事开头缺失的过程，从男女主角收不到对方的信开始，错过了近40年。在他生命中的某些时刻，他强烈地意识到同一个空间包含着绝对的存在，这种存在也被观众所关注，但每个人仍然像平行世界一样无法相互出现。剧名中的符号“·”和“/”，正是空间和时间的变化造就了人生的分离。
除了两位主角，江滨柳的妻子、孩子、老朋友和嫂子，以及云之凡的母亲、大哥、妹妹、丈夫等人，都可以在《江/云/间》中弥补自己的人生经历。当这些角色出现在类似记忆盒的多宫格舞&上交时，他生活的时代也清晰地出现了，让人想起了《宝岛一村》的作品，这部作品体现了台湾省三代居民和四个家庭的故事。而且胡德夫现场致力于演唱的《匆匆》《太平洋的风》《橄榄树》等金曲，帮助观众一起走进了《太平洋的风》。
《逆转未来》以公益演出的形式呈现，将故事设定为未来世界的火星，上演了一场对男主罗自然杀父的指控。处理角度对调的手法，让观众进入情景体，体会到生活中一群人的生存。当时大部分新生儿天生残疾。经过发达的科技改造，他们的身体机能明显提高。这些“改造派”逐渐成为数量和能力的社会主流。像罗天然这样健康的“地球派”逐渐成为边缘群体，在学校、恋爱、工作中遭受不公。
特别值得一提的是，《逆转未来》中的大部分演员都是残疾人。他们以真诚感人的表演在剧中展现了生活的无限潜力。这部具有深厚社会价值的作品的出现，也体现了乌镇戏剧节的人文情怀。
戏剧界限
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乌镇戏剧节作为戏剧从业者、好人甚至观众展示才华和情感的舞蹈&，表演空间不仅仅是为了表演。因此，剧场的边界得到了拓宽，表演内容也从戏剧延伸到戏剧、巡演、舞蹈、音乐、魔术、行为表演等更广泛的方面。，并邀请观众以各种互动进入。
古城嘉年华元，国内外众多文艺团体在西栅的昭明书院、灵水居、安渡坊码头、木心美术馆等场所进行各种表演，以及桥边、河边、街道、田野等公共空间；所有感兴趣的游客都可以停下来欣赏，拍下精彩的瞬间。而且水上歌剧《漂浮歌后》、《将进酒》等木偶戏也与观众分享，社交&&爆红。戏剧市场模块，北方的建筑和开放空间，充满了展览、设备、电影、书籍、特色美食、手工艺品等。在城镇对话的元下，饶晓志、周黎明、黄舒骏作为读者，创作了几首歌曲《哈姆雷特的七七八九》《边城》《望号街车1933》，将中外经典文本放在西栅和北方独特的空间中进行“改造”。
全新亮相的戏梦粮库模块，更是别出心裁地使用了北栅五个不同规格的粮库。在这里，颜永祺、吴彼、陈梓豪、文小超等8位年轻作家的作品空间，上演了60分钟的作品，但形式各异。其中，舞者文小超导演《两条腿》由文小超和宵夜组合而成。借助多媒体技术，演员的身体变化，尤其是大腿肌肉的抽搐，探索了时代的发展，重塑了人们行走方式的影子和行走方式，引导观众思考人与自然、科技之间的影子。导演的音乐《仲夏夜之梦》以高耸的舞蹈和能让观众“躺在葛优身上”的懒人沙发改变了观看和表演的关系；而结合的歌唱形式与符号化、标签化的语言，莎士比亚原著的故事与中国观众的生活完美结合。
这一次，导演永祺将契邈夫的《万尼亚舅舅》改编成了一部环境戏剧。他用设备和黑幕将空间分为三部分。在观众感受到三个空间的差异后，不同的故事在不同的时空同步上演。观众可以开始跟随某个角色和某个动线看戏，也可以在“多声部”的表演现场自由穿梭，选择观看不同的内容。更有意思的是，这部“叛逆”的作品在文本情节上对契邈夫的原创作品非常忠诚，契邈夫的另一部剧《林妖》中的一些情节只在最后移植。
虽然从规模上来说，在青年比赛中出现的作品更适合称之为小戏，但根植于自身成长经验的年轻人的直觉创作是珍贵的。他们对家庭、感情、工作、理想、成功、社会的探索可能有些不成熟，表达感情的手段可能有些薄弱。然而，在乌镇戏剧节提供的&&的帮助下，他们的创作可能会成熟，形成鲜明的个人风格。
作者梅生 供图片/乌镇戏剧节
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