《太阳之子》：昔日闪耀的偶像，如今是否依旧夺目？

本文来自微信公众号：知著网，作者：编辑十号

「或许，并非他变了，而是我们变了。我们的世界愈发广阔，他依旧吟唱着自己的故事，我们仍会欣赏，只是不再并肩同行。」

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2023年5月，周杰伦的「嘉年华」世界巡回演唱会登陆香港站。巧合的是，尽管演出期间香港阴雨连绵，但每当演唱会开场前，雨便会停歇。为庆祝演出顺利，张学友送上一盒印有「太阳之子」的芒果和手写卡片：「送你一盒‘太阳之子’配上你‘太阳之子’的称号」。

三年后，名为《太阳之子》的专辑问世，这是周杰伦出道25年来的第16张个人专辑。

（张学友赠送的芒果和手写卡片）

毫无疑问，这张专辑的发布是华语流行乐坛久违的盛事。上线仅15小时，内地各大平台销量便突破182万张，销售额超7000万元。除周杰伦外，几乎无人能拥有如此跨年龄、跨圈层的号召力。《太阳之子》不只是一张专辑，更是「周杰伦的专辑」。

（购买《太阳之子》，买的不仅是专辑，更是一份情怀）

然而，与高销量形成鲜明对比的是，这张专辑似乎未能让大众满意。尽管华语乐坛缺乏专业权威的乐评平台，但互联网上充斥着对它的批评与不满。

（互联网上对于《太阳之子》的评价）

这两个看似矛盾的现象，根源实则相同：《太阳之子》太具「杰伦味」。这种「喜恶同源」的情况，让我们有机会重新思考：陪伴青春的「周杰伦」，于当下的我们究竟意味着什么？这一次的「太阳之子」，是否依旧闪耀？

众多评价中，「自我重复」一词频繁出现。

这种重复无关音乐是否悦耳，相反，专辑绝非敷衍之作。《太阳之子》与上一张《最伟大的作品》间隔三年零八个月，从时间跨度看，必然经过精细打磨与筛选。

主打曲《太阳之子》也印证了制作规模的庞大。整首歌的动画由参与《阿凡达》《魔戒》的Weta Workshop团队制作，MV耗资超2000万元，致敬了《马拉之死》《蒙娜丽莎》等名画。无论风格还是设计，都堪称诚意之作。

但与宏大制作相反的是，这首歌的解读空间似乎不大。

歌词仍由周杰伦与方文山创作，却少了过往的余韵；MV以侦探故事串联，设定名画中的死者均被吸血鬼杀害，但名画仅作为转场道具，未提供文化隐喻，更像是美丽的展品，为副歌的枪战场景铺垫。

整张专辑的多首歌曲都有过去的影子：《西西里》的沉郁弦乐易让人想起《夜的第七章》《以父之名》；《湘女多情》与《红颜如霜》听感相似；混音和配器不仅趋同，还让人感觉似曾相识。

（知名乐评人耳帝对于专辑的评价）

问题或许在于：专辑不仅缺乏深度解读空间，甚至无法指向自身之外的内容。当歌曲只关乎他自己，作品便无形间完成了筛选与拒绝，只邀请对周杰伦感兴趣的人。

整张专辑像旧时代的切片，难以讨论是否过时。它被置于隔绝空气的真空罩中，不与外界流通，无法进行时间维度的比较，而这个罩子名为「周杰伦」。

新专辑发布会上，周杰伦透露的制作细节或许能揭开成因。

他说《太阳之子》的创作顺序很特别：先有名画与枪战结合的创意，交由导演廖人帅撰写MV脚本，MV拍摄与音乐制作同步，拍完后由方文山根据初剪画面写词。他还玩笑称，与方文山的合作从「改都改不得」变成「这一句必须放进去」。

这像个爽文剧本：21岁的周杰伦靠才华与规则、市场较劲，在质疑中证明自己；如今的他拥有话语权，歌词能为画面量身定制。

专辑封面幕后提到，《太阳之子》封面在巴黎圣母贞德教堂拍摄，为呈现夜间质感，团队用9台大型吊车打光，只为照亮教堂玻璃，营造独特光影。

但与爽文故事不同，这九盏大灯易让人联想到：功成名就后，过度自我萌生，缺少反观自身的声音。

这未必是他的真实现状，专辑细节也能反驳：比如充满活力的《女儿殿下》展现了他的生活侧面；英文名《Children of the sun》用复数形式，意在传递光明与正能量，而非自我加冕。

即便如此，专辑的自我重复仍折射出一道屏障。哲学家韩柄哲在《他者的消失》中说，现代最大的恶行是构筑同质化地狱。我们生产消费的内容看似翻新，实则是旧内容的自我重复。因缺乏他者反观，世界只剩「赞美」与「赞同」的同者，看不到否定反对，只有志同道合者，进而自我堆叠、局限。

（《他者的消失》节选）

在此前提下，粉丝与他共同构筑了屏障。在这个空间里，他不再接收外界评价，不再看向他者，只需做「周杰伦」的音乐，成为「周杰伦」。

本质上，周杰伦近十年与我们过着不同的生活。2015年他与昆凌在苏格兰古堡结婚，那是他弦乐与歌词指向的地方；婚后家庭壮大为五口之家；2019年「嘉年华」巡演开启，2025年10月在上海落幕，总观众超400万。

某种程度上，他这十年生活在平缓的平流层，只见晴朗天空与偶尔穿梭的飞机；而我们的生活在对流层，雷雨交加，波折混乱。我们只能偶尔透过云层看到「太阳之子」，如同阳光偶尔照向大地。

周杰伦还是那个周杰伦：拍完《头文字D》强调自己是导演而非歌手，愿花2000万制作费，呈现吸血鬼与侦探的梦想故事。

或许，不是他变了，是我们变了。我们的世界更广阔，走得更远，经历更多挫折磨难，对生活有了更多理解。看到更大世界后，我们希望童年喜欢的艺人能同步成长，至少展现不同侧面。但事实往往相反：他们依旧唱着自己的故事，我们仍会欣赏，只是不再同行。

我们对《太阳之子》的不同态度，本质是在选择这个时代需要怎样的作品。

我们对周杰伦的期待源于：在过去信息不发达、生活未开阔的时代，他曾切实照亮我们的生活，让我们惊叹「原来音乐还能这么做」。

B站UP主「小凡今天出片了吗」2023年的视频探讨了华语音乐近20年的发展规律，提出「平均歌」概念——最能代表当年流行趋势的歌曲。神奇的是，很长一段时间里，周杰伦的歌都是离平均值最远的「离谱歌」。

（「平均歌」的概念）

当所有人卷旋律时，他用《完美主义》尝试去旋律化；苦情歌盛行时，他用《双截棍》《忍者》唱动感跳脱的旋律。

（周杰伦的歌，曾是打破时代惯性的存在）

我们的期待或许正源于此：希望他还能像二十年前一样，成为引领时代、脱离固定曲谱的偶像。但这些期待其实是「欲加之罪」，因为他或许从未以「离谱」为目标，只是做自己——25年后，他依然在做自己。

《太阳之子》照耀的是当下时代一群人的选择。那些「黄金时代」的艺人，凭借过往积累的粉丝与市场，我们选择的不只是作品，更是回忆与经验。某种程度上，我们觉得《太阳之子》「普通」，是因为他用25年让自己的作品成为了时代大多数人选择的「平均」。

我们感受到的割裂在于：无法左右占据市场大声量的艺人的自我表达，却暗自希望过去的偶像能继续引领时代。因为我们看到，这个时代仍有人选择改变并成功，尤其是在保守稳妥的时代，有魄力的举动更激励人心。

同样是吸血鬼与音乐，斩获四项奥斯卡的《罪人》用浑然天成的设定隐喻文化殖民，串联被压迫者的痛苦；电影中用音乐打破时空限制，让过去与现在在同一房间燃烧舞蹈的镜头，注定成为影史经典。

同样是古典与流行结合，西班牙歌手Rosalía在前三张专辑已很优秀的情况下，仍交出惊艳答卷。《Lux》不仅展现了古典与流行结合的可能，更因她坚称自己的音乐是流行（pop）而非另类（alternative pop），拓宽了流行音乐的边界。

以何种姿态面对过去的偶像是成长的永恒命题，象征着我们如何面对自己的过去与当下。或许，记忆中的歌手获得成功后不再突破，不再改变我们的想象，他的创作为后来者铺了路，自己却逐渐成为时代的「平均歌」。

而在他之后，时代依然会有自己的「离谱歌」，正如太阳会升起也会落下。往日的太阳之子依旧怀抱旧梦，但似乎没有以往闪耀。

（图片来自于网络）

参考文献：

[1]韩柄哲《他者的消失》